۱۵ فیلم تماشایی برای کسانی که «منو» را دوست داشتند

چارسو پرس: ثروتمندان این روزها در داستان‌ها و فیلم‌ها حسابی خبرساز شده‌اند. نه به این معنا که واقعاً محبوب باشند؛ برعکس، هرچه افراد بیشتری از طبقه ۹۹ درصدی جامعه به ابعاد فریبکاری و سوءاستفاده صاحبان ثروت و قدرت پی می‌برند، تصویر این گروه منفی‌تر می‌شود. بااین‌حال، در دنیای داستان‌پردازی، شخصیت‌های ثروتمند و نفرت‌انگیز به یکی از عناصر محبوب فیلم‌ها و مجموعه‌های تلویزیونی تبدیل شده‌اند. از «نیلوفر سفید» تا «وراثت»، آثار پرشماری زندگی این افراد را به تصویر می‌کشند و بسیاری از آن‌ها سرانجام تاوان رفتارهایشان را می‌دهند. به این دسته از آثار گاهی فیلم‌های «ثروتمندان را بخور» می‌گویند؛ آثاری که خشم خود را متوجه طبقه مرفه می‌کنند.

فیلم ترسناک «منو» (The Menu) محصول سال ۲۰۲۲، با بازی آنیا تیلور جوی، این ایده را جدی می‌گیرد. تیلور جوی در نقش زنی شاغل در صنعت سرگرمی بزرگسالان ظاهر می‌شود که همراه یک علاقه‌مند ثروتمند به غذا، با بازی نیکلاس هولت، به رستورانی مشهور سفر می‌کند. رستوران زیر نظر سرآشپزی سخت‌گیر با بازی رالف فاینز اداره می‌شود؛ سرآشپزی که مشتریان ثروتمندش به بخشی از برنامه غذایی او تبدیل می‌شوند. فیلم با لحنی کمدی و تلخ، فرهنگ تجمل‌گرایانه ثروتمندان را به چالش می‌کشد؛ فرهنگی که تنها فردی بیرون از این دایره، مانند شخصیت آنیا تیلور جوی، می‌تواند تناقض‌هایش را به‌درستی ببیند.

اگر این نقد اجتماعی خوش‌طعمی برایتان جذاب بوده، خوش‌شانس هستید. در ادامه، ۱۵ فیلم را معرفی می‌کنیم که از جنبه‌های مختلف به «منو» شباهت دارند؛ بعضی با حمله به طبقه ثروتمند، بعضی با تمرکز بر غذا و آشپزی و برخی دیگر با نگاهی تیزبین به بهای سنگین کمال‌گرایی.

۱. «مثلث غم» (Triangle of Sadness)

«مثلث غم» یکی از شاخص‌ترین فیلم‌های دهه گذشته در نقد طبقه ثروتمند است؛ اثری که در بیان دیدگاه اجتماعی خود هیچ ملاحظه‌ای به خرج نمی‌دهد.

داستان با سوار شدن دو چهره جوان شبکه‌های اجتماعی، یایا با بازی چارلبی دین و کارل با بازی هریس دیکینسون، به یک کشتی تفریحی لوکس آغاز می‌شود. مسافران کشتی را ثروتمندانی متکبر تشکیل می‌دهند که عادت دارند همه‌چیز مطابق میلشان پیش برود. اما اوضاع زمانی تغییر می‌کند که کشتی گرفتار طوفان می‌شود و در میانه اقیانوس از بین می‌رود. مسافران به همراه تعدادی از کارکنان، خود را در جزیره‌ای دورافتاده و خالی از سکنه می‌یابند.

این کمدی سیاه و بی‌پروا را بهتر است با یک هشدار تماشا کنید: اگر دیدن صحنه‌های استفراغ و خروج مایعات بدن از دهان و دیگر منافذ برایتان آزاردهنده است، شاید بهتر باشد از تماشای آن صرف‌نظر کنید. سکانس طوفان در کشتی یکی از چندش‌آورترین صحنه‌های سینمایی سال‌های اخیر است.

اما اگر بتوانید این بخش را تحمل کنید، با نقدی هوشمندانه درباره طبقات اجتماعی روبه‌رو خواهید شد؛ نقدی که درست مانند «منو»، به مسیرهایی غیرمنتظره می‌رسد.

۲. «آماده‌ای یا نه» (Ready or Not)

در فیلم «منو»، تماشاگر طرفدار مارگو، شخصیت آنیا تیلور جوی، است؛ زیرا او با ثروتمندان نفرت‌انگیزی که سر میز غذا نشسته‌اند تفاوت دارد. بااین‌حال، مارگو نمونه کاملاً معمول قهرمان زنی نیست که در فیلم‌های ترسناک از همه جان سالم به در می‌برد. شخصیت اصلی «آماده‌ای یا نه» نیز موقعیتی مشابه دارد.

این فیلم را مت بتینلی اولپین و تایلر ژیلت، کارگردانان «جیغ» محصول ۲۰۲۲، ساخته‌اند. داستان درباره گریس با بازی سامارا ویوینگ است؛ زنی که تازه با الکس، مردی ثروتمند با بازی مارک اوبرایان، ازدواج کرده است. روزی که قرار بود به یکی از شادترین روزهای زندگی گریس تبدیل شود، زمانی به کابوس بدل می‌شود که خانواده الکس سلاح‌هایشان را برمی‌دارند و در محوطه ملک بزرگ خود به تعقیب او می‌پردازند.

«آماده‌ای یا نه» علاقه‌ای به ظرافت و کنایه‌های پنهان ندارد. فیلم از همان ابتدا بر این ایده تأکید می‌کند که ثروتمندان هرچه بخواهند از دیگران می‌گیرند، بی‌آنکه به انسانیت مشترک خود و دیگران اهمیتی بدهند.

این رویکرد مستقیم در فیلم جواب می‌دهد؛ زیرا «آماده‌ای یا نه» یک کمدی ترسناک است که خودش را بیش از حد جدی نمی‌گیرد. فیلم با الهام از آثار کلاسیک هالیوود مانند «سرنخ» و «گاسلایت»، بازی مرگبار موش و گربه‌ای را به راه می‌اندازد که از ابتدا تا انتها هیجان‌انگیز است. بازی دلنشین ویوینگ نیز به جذابیت اثر کمک می‌کند. این فیلم سرگرم‌کننده و کمتر دیده‌شده، ارزش آن را دارد که در فهرست تماشایتان قرار بگیرد.

۳. «بدن‌ها، بدن‌ها، بدن‌ها» (Bodies Bodies Bodies)

معماهای قتل در فضایی بسته، از جذاب‌ترین شکل‌های داستان‌های معمایی در سینما هستند و همین یکی از دلایل سرگرم‌کننده بودن «بدن‌ها، بدن‌ها، بدن‌ها» است. این فیلم نیز مانند «منو» گروهی از افراد برخوردار و ممتاز را دنبال می‌کند که به مکانی دورافتاده می‌روند و در آنجا خشونت از راه می‌رسد.

هالینا راین داستان گروهی از جوانان بیست‌وچندساله را روایت می‌کند که آخر هفته را در عمارتی بزرگ می‌گذرانند. در میان آن‌ها، دیوید با بازی پیت دیویدسن، جوانی ثروتمند و علاقه‌مند به مواد مخدر، و دوست‌دخترش اما با بازی چیس سوی واندرز حضور دارند. جردن با بازی مایالا هرولد، شخصیتی حسود و رقابت‌جو است؛ آلیس با بازی ریچل سنات، مجری سطحی یک پادکست است که با گرگ، مردی مسن‌تر با بازی لی پیس، رابطه دارد. سوفی با بازی آماندلا استنبرگ نیز به همراه دوست‌دختر مرموزش بی، با بازی ماریا باکالوا، در این جمع حضور دارد.

درحالی‌که شخصیت‌ها مشغول بازی معمای قتل هستند، طوفان برق را قطع می‌کند و به‌تدریج اجساد واقعی روی هم انباشته می‌شوند.

این فیلم هم‌زمان یک معمای جنایی، فیلمی ترسناک و کمدی است و با مهارت از انتظارات ژانرهای مختلف استفاده می‌کند. نتیجه، اثری سرگرم‌کننده است که احتمالاً کابوس به سراغتان نمی‌آورد؛ حتی ممکن است شما را به شنیدن پادکست خیالی ریچل سنات با نام خنده‌دار «وقت‌گذرانی با باهوش‌ترین و بامزه‌ترین دوستت» ترغیب کند.

۴. «انگل» (Parasite)

بونگ جون هو، کارگردان کره‌ای، از سینما برای نقد سرمایه‌داری استفاده می‌کند. از «برف‌شکن» و «اوکجا» تا «میکی ۱۷»، آثار او مفاهیم بزرگ اجتماعی را با طنزی تیز و گزنده بررسی می‌کنند.

بااین‌حال، مخاطبان آمریکایی بیش از همه او را با فیلم برنده اسکار «انگل» می‌شناسند؛ داستانی اخلاقی، خونین، پیچیده و در عین حال خنده‌دار که در سال ۲۰۱۹ ساخته شد.

فیلم درباره دو خانواده است که در شرایطی کاملاً متفاوت زندگی می‌کنند. خانواده پارک ثروتمندند و از دشواری‌های زندگی دیگران خبر چندانی ندارند. خانواده کیم فقیر هستند و زمانی که پسرشان در خانه پارک‌ها شغلی پیدا می‌کند، فرصتی برای تغییر وضعیت زندگی خود می‌بینند. اعضای خانواده کیم با دروغ و فریب، به زندگی خانواده پارک راه پیدا می‌کنند و بدون آنکه هویت واقعی‌شان را آشکار کنند، همگی در خانه آن‌ها مشغول به کار می‌شوند.

اگر هنوز «انگل» را ندیده‌اید، بهتر است پیش از تماشا درباره ادامه داستان جست‌وجو نکنید. بونگ جون هو استاد چرخش‌های ناگهانی داستانی و تغییر لحن است و در این فیلم به‌خوبی انتظارات تماشاگر را برهم می‌زند.

«انگل» هیجان‌انگیز، خنده‌دار، شوکه‌کننده و تأمل‌برانگیز است و تا پایان شما را درگیر نگه می‌دارد. اگر از تنش و طنز «منو» لذت برده‌اید، اما به دنبال نقدی تندتر و بی‌رحمانه‌تر هستید، «انگل» این ویژگی‌ها را چند برابر می‌کند.

۵. «نقطه جوش» (Boiling Point)

در «منو»، آشپزخانه یک رستوران مشهور و انحصاری مانند دیگ فشاری خطرناک به تصویر کشیده می‌شود؛ آن هم تقریباً به معنای واقعی کلمه. اما در فیلم «نقطه جوش» محصول ۲۰۲۱، آشپزخانه نه اغراق‌آمیز است و نه صرفاً استعاره‌ای برای فشار روانی. آشوبی که می‌بینیم کاملاً واقعی است.

استیون گراهام در نقش اندی، سرآشپز یک رستوران محبوب در لندن ظاهر می‌شود. داستان در شلوغ‌ترین شب سال اتفاق می‌افتد؛ شبی که بحران‌ها یکی پس از دیگری از راه می‌رسند. ماجرا با حضور غیرمنتظره بازرس بهداشت آغاز می‌شود، درحالی‌که کارکنان باید هم‌زمان به انبوه مشتریان سخت‌گیر نیز رسیدگی کنند.

فیلم به شکلی شگفت‌انگیز در یک برداشت پیوسته تصویربرداری شده است؛ روشی که از نظر فنی یادآور مجموعه «نوجوانی» با بازی گراهام است که جایزه امی دریافت کرد.

«نقطه جوش» هم نمایشی خیره‌کننده از مهارت فنی است و هم اثری عاطفی و پرقدرت. برداشت طولانی فیلم صرفاً یک ترفند نمایشی نیست، بلکه تماشاگر را وارد دنیای پرشتاب و آشفته رستوران می‌کند. دوربین متحرک به بخش‌های مختلف رستوران و آشپزخانه سرک می‌کشد و از ماشین ظرف‌شویی بی‌اعتنا، مهماندار منضبط و گروه پرسر‌وصدای چهره‌های شبکه‌های اجتماعی تصویری نزدیک ارائه می‌دهد.

«نقطه جوش» فیلم ترسناک نیست، اما آن‌قدر تنش دارد که ضربان قلبتان را بالا ببرد.

۶. «شکار» (The Hunt)

فیلم «شکار» مسیر دشواری برای رسیدن به سالن‌های سینما داشت. اکران آن ابتدا برای سال ۲۰۱۹ برنامه‌ریزی شده بود، اما شرکت یونیورسال پس از دو تیراندازی جمعی و انتقادهای اینترنتی دونالد ترامپ، رئیس‌جمهور وقت آمریکا، اکران فیلم را لغو کرد. در چرخشی تلخ، تاریخ اکران بعدی آن به ۱۳ مارس ۲۰۲۰ رسید؛ زمانی که بحران همه‌گیری کرونا نیز آغاز شده بود.

با توجه به موضوع فیلم، درگیر شدن آن با بحث‌های سیاسی چندان تعجب‌آور نیست.

داستان درباره گروهی از افراد موسوم به نخبگان ساحلی است؛ ثروتمندانی که نفرتشان از افرادی با دیدگاه سیاسی متفاوت، به سطحی افراطی می‌رسد. آن‌ها گروهی از هواداران طبقه کارگر دونالد ترامپ را می‌ربایند، به آن‌ها برچسب «نفرت‌انگیزها» می‌زنند و در محوطه ملک عظیم خود، برای تفریح به شکارشان می‌پردازند.

اما یکی از شکارشدگان، کریستال با بازی بتی گیلپین، قواعد بازی را یاد می‌گیرد و دست به مقابله می‌زند. به این ترتیب، شکارچیان ناگهان خود را در جایگاه شکار قرار می‌بینند.

«شکار» قرار است هجویه‌ای درباره شکاف عمیق سیاسی در آمریکای امروز باشد، اما دیدگاه خود را با خطوطی بسیار کلی ترسیم می‌کند و نکته تازه‌ای به بحث اضافه نمی‌کند. با وجود آنکه فیلم از نظر سیاسی به اندازه‌ای که می‌توانست تند و موشکافانه نیست، اثری سرگرم‌کننده است که تماشاگر را مجبور نمی‌کند بیش از حد به موضوع فکر کند.

۷. «ضیافت» (The Feast)

آنیا تیلور جوی، بازیگر «منو»، با ژانر وحشت فولکلوریک بیگانه نیست. او با نخستین حضور سینمایی خود در فیلم «جادوگر» به شهرت جهانی رسید.

فیلم ولزی «ضیافت» محصول سال ۲۰۲۱، حال‌وهوای فولکلوریک «جادوگر» را با وحشت مرتبط با غذا در «منو» ترکیب می‌کند و تجربه‌ای مسحورکننده می‌سازد. فیلم درباره تقابل دنیای مدرن با سنت و همچنین تضاد میان صنعت و محیط زیست است؛ تضادهایی که با تصاویر تأثیرگذار به نمایش درمی‌آیند.

داستان درباره خانواده‌ای ثروتمند در ولز است که در خانه‌ای مجلل در دل طبیعت زندگی می‌کنند. اعضای خانواده از ریشه‌های کشاورزی خود فاصله گرفته‌اند و تصمیم دارند با استخراج منابع زمین، ثروت بیشتری به دست آورند. آن‌ها همسایگان و یک تاجر را برای صرف شام دعوت کرده‌اند تا درباره استخراج بیشتر منابع منطقه به توافق برسند.

از آنجا که کارکنان همیشگی خانه در دسترس نیستند، خانواده از پیشخدمتی محلی به نام کدی با بازی انیس الوای دعوت می‌کنند تا مهمانی را اداره کند.

کدی در ابتدا زنی بی‌آزار و آسیب‌پذیر به نظر می‌رسد که ممکن است در برابر مردان شهوت‌ران حاضر بر سر میز غذا به‌راحتی قربانی شود. اما ظاهر خجالتی او، عطشی هولناک برای انتقام را پنهان کرده است.

با افزایش حس ترس و اضطراب، خشونت و صحنه‌های خونین نیز شدت می‌گیرند. ورود به این خانه تسخیرشده، مسئولیت خودتان است!

۸. «آشپز، دزد، همسرش و معشوقه‌اش» (The Cook, the Thief, His Wife & Her Lover)

فیلم «آشپز، دزد، همسرش و معشوقه‌اش» از اساس اثری تلخ و فاسد است؛ اما اگر بتوانید صحنه‌های زننده و افراطی آن را تحمل کنید، احتمالاً تجربه‌ای فراموش‌نشدنی خواهید داشت.

مایکل گامبون، بازیگر دوم نقش دامبلدور در مجموعه «هری پاتر»، در این فیلم نقش دزدی را بازی می‌کند که مردی گستاخ، خشن و بی‌رحم است. او هر شب در رستورانی گران‌قیمت غذا می‌خورد و با رفتار زننده‌اش، دیگر مشتریان و کارکنان را به ستوه می‌آورد.

همسرش، با بازی هلن میرن، زنی است که از بی‌توجهی و آزار شوهرش رنج می‌برد. او در آغوش یکی از مشتریان کتاب‌خوان رستوران، با بازی آلن هاوارد، آرامش پیدا می‌کند و این دو در گوشه‌وکنار پنهان رستوران، رابطه‌ای پرشور و مخفیانه برقرار می‌کنند.

طبیعتاً مردی خلافکار سرانجام از خیانت همسرش باخبر می‌شود و انتقامی هولناک از معشوق او می‌گیرد. شکنجه وحشتناک این مرد نه نخستین صحنه آزاردهنده فیلم است و نه آخرین آن. اندکی بعد، همسر نیز نقشه انتقام خود را عملی می‌کند و ماجرا به پایانی منحرف، هولناک و آمیخته با آدم‌خواری می‌رسد.

پیتر گرینوی، کارگردان فیلم، حاضر نشد اثرش را برای انطباق با محدودیت‌های رده‌بندی سنی بزرگسالان در آمریکا تدوین مجدد کند؛ به همین دلیل، فیلم بدون رده‌بندی رسمی باقی ماند.

این اثر از جنبه‌های مختلف به افراط و زیاده‌روی می‌پردازد و اگر جسارت تماشای آن را داشته باشید، می‌تواند شما را شگفت‌زده کند.

۹. «جامعه» (Society)

اگرچه دیوید کراننبرگ پادشاه فیلم‌های چندش‌آور و آمیخته با امیال جنسی به شمار می‌رود، برایان یوزنا، کارگردان فیلم «جامعه» محصول سال ۱۹۸۹، رقیبی جدی برای اوست.

بیلی وارلاک در نقش بیل ظاهر می‌شود؛ نوجوانی که در بورلی هیلز زندگی می‌کند. بیل به این موضوع مشکوک است که خانواده ثروتمندش به فرقه‌ای مخفی و وابسته به طبقه بالای جامعه تعلق دارند. این تردیدها زمانی قوت می‌گیرند که او به صدایی ضبط‌شده گوش می‌دهد که به نظر می‌رسد مربوط به مراسمی سادیستی باشد.

هرچه بیل به حقیقت نزدیک‌تر می‌شود، اجساد بیشتری پیدا می‌شوند و او با واقعیتی تکان‌دهنده روبه‌رو می‌شود.

واژه «جنایتکارانه» برای توصیف رفتارهایی که در «جامعه» رخ می‌دهند، کافی نیست. بیل درست حدس زده است که خانواده‌اش به فرقه‌ای منحرف تعلق دارند؛ اما حقیقت بسیار بدتر از چیزی است که تصور می‌کرد.

ثروتمندان بورلی هیلز صرفاً با یکدیگر رابطه برقرار نمی‌کنند، بلکه بدن‌هایشان را به شکلی هولناک در هم ادغام می‌کنند و به موجودی توده‌وار و هیولایی تبدیل می‌شوند. این بدن یکپارچه سپس اعضای طبقات پایین‌تر جامعه را در آیینی grotesque و آمیخته با مناسبات محارم می‌بلعد.

«جامعه» یکی از فیلم‌های ترسناک کمتر دیده‌شده دهه ۱۹۸۰ است که با تصویری افراطی از فساد طبقه مرفه، معنایی کاملاً تازه به اصطلاحات عامیانه مربوط به بدن می‌بخشد.

۱۰. «نوبت توست» (You’re Next)

اگر فیلمی درباره حمله به خانه را با یک فیلم اسلشر ترکیب کنید، چه به دست می‌آید؟ نسخه‌ای بزرگسالانه از «تنها در خانه»؛ یا به‌عبارت دقیق‌تر، فیلم ترسناک «نوبت توست» به کارگردانی آدام وینگارد، کارگردان «گودزیلا در برابر کونگ».

طرفداران «منو» احتمالاً از طنز سیاه این فیلم و مجازاتی که نصیب ثروتمندان می‌شود، لذت خواهند برد.

داستان درباره خانواده دیویسون است؛ خانواده‌ای ثروتمند که اعضایش از نظر عاطفی از یکدیگر فاصله گرفته‌اند. زمانی که والدین خانواده، اوبری با بازی باربارا کرامپتون و پل با بازی راب موران، فرزندان و شریک‌های زندگی آن‌ها را به خانه تفریحی خود دعوت می‌کنند، تنش‌های قدیمی دوباره سر باز می‌کنند.

بااین‌حال، وقتی گروهی از مهاجمان با نقاب حیوانات وارد خانه می‌شوند و خانواده را به وحشت می‌اندازند، اختلافات خانوادگی موقتاً به حاشیه می‌رود.

فیلم با موسیقی و صحنه قتل آغازین خود به آثار اسلشر دهه ۱۹۸۰ اشاره می‌کند، اما هم‌زمان انتظارات تماشاگر از این ژانر را نیز برهم می‌زند.

وقتی ارین، یکی از شریک‌های زندگی فرزندان خانواده با بازی شارنی وینسون، نشان می‌دهد که در دفاع از خود مهارت زیادی دارد، جای شکارچی و شکار به‌کلی عوض می‌شود. طنز فیلم از ناتوانی مهاجمان و دعواهای خانوادگی سرچشمه می‌گیرد، اما در کنار آن، ترس و صحنه‌های خونین نیز به قوت خود باقی می‌مانند.

۱۱. «برو بیرون» (Get Out)

در فیلم «منو»، مارگو به این دلیل شانس نجات دارد که فردی بیرون از دنیای ثروتمندان است. او در ابتدا مانند بره‌ای به نظر می‌رسد که وارد لانه شیر شده، اما امتناعش از پذیرفتن فرهنگ تجمل‌گرایانه اطرافیان، در نهایت به نقطه قوت او تبدیل می‌شود.

در شاهکار ترسناک جوردن پیل، «برو بیرون»، شخصیت اصلی نیز مسیری مشابه را طی می‌کند.

کریس با بازی دنیل کالویا، برای ملاقات با خانواده دوست‌دخترش رز با بازی آلیسون ویلیامز، به منطقه‌ای خارج از شهر سفر می‌کند. بدترین کابوس‌های او به‌تدریج به واقعیت تبدیل می‌شوند. کریس در ابتدا مجموعه‌ای از برخوردهای عجیب را به این نسبت می‌دهد که خانواده رز هنوز با رابطه دخترشان با مردی سیاه‌پوست کنار نیامده‌اند؛ اما حقیقت بسیار شوم‌تر از این است و پایان فیلم نیز می‌توانست از آنچه دیدیم، بسیار تاریک‌تر باشد.

کریس در خانه‌ای تسخیرشده گرفتار شده است؛ خانه‌ای که در آن نژادپرستی ریشه‌دار، زنجیره‌ای از وحشت‌های روانی و آسیب‌های عمیق ایجاد می‌کند.

حتی زمانی که تماشاگر کم‌کم به ابعاد خطری که کریس در آن گرفتار شده پی می‌برد، فیلم همچنان او را در حالت انتظار و تردید نگه می‌دارد. «برو بیرون» پیامی قدرتمند درباره نژادپرستی پنهان در ساختارهایی دارد که در ظاهر پیشرو و روشنفکر به نظر می‌رسند.

این فیلم را می‌توان نسخه‌ای متعلق به قرن بیست‌ویکم از «بچه رزماری» دانست؛ اثری که نشان می‌دهد تعداد کمی از فیلم‌های ترسناک می‌توانند به‌اندازه آن از ابزارهای ژانر برای نقد اجتماعی استفاده کنند.

۱۲. «رشته خیال» (Phantom Thread)

در فیلم «منو»، رالف فاینز نقش سرآشپزی را بازی می‌کند که در اوج مهارت حرفه‌ای خود قرار دارد. ذهنیت وسواس‌گونه و تک‌بعدی او تا مرز خشونت پیش می‌رود و رفتار بیمارگونه‌اش جان همه مشتریان را به خطر می‌اندازد.

در فیلم «رشته خیال» ساخته پل توماس اندرسن، دنیل دی‌لوئیس نقش رینولدز وودکاک را بازی می‌کند؛ طراح لباس وسواسی که در لندن دهه ۱۹۵۰ فعالیت دارد. رینولدز در میان مشتریان و دنیای مد بسیار محبوب است، اما معاشرت با او دشوار است. تنها خواهرش سیریل با بازی لسلی منویل می‌تواند خلق‌وخوی او را مدیریت کند.

این وضعیت زمانی تغییر می‌کند که رینولدز با آلما، پیشخدمتی خارجی، آشنا می‌شود و به او علاقه پیدا می‌کند. این مرد مجرد که سال‌ها به تنهایی زندگی کرده، آلما را به خانه‌اش می‌آورد و او به‌تدریج هم معشوقه‌اش می‌شود و هم الهام‌بخش کارهایش.

آلما در ابتدا زنی آرام و بی‌ادعا به نظر می‌رسد، اما خیلی زود نشان می‌دهد که می‌تواند همتای مناسبی برای رینولدز باشد و با نقشه‌های حساب‌شده خودش در برابر رفتار کنترل‌گرانه او بایستد.

غذا در این فیلم نقش مهمی دارد. رینولدز در تمام جنبه‌های زندگی، از جمله نوع غذا خوردن و خوراکش، به‌شدت سخت‌گیر است. آلما این نظم وسواس‌گونه را برهم می‌زند، اما بعدها درمی‌یابد که غذا می‌تواند ابزاری برای اعمال قدرت بر همسر سلطه‌گرش باشد.

۱۳. «گرسنگی» (Hunger)

موضوع غذا و آشپزی مدت‌هاست جایگاه ثابتی در فیلم‌ها و مجموعه‌های تلویزیونی دارد؛ هرچند تماشاگران در خانه نمی‌توانند طعم و بوی غذاهای وسوسه‌انگیز روی صفحه را تجربه کنند.

در داستان‌های سینمایی، ما بارها با روایت‌هایی درباره محیط‌های پراسترس آشپزخانه روبه‌رو می‌شویم؛ از «خرس» و «سرآشپز برتر» تا «منو». در درام تایلندی «گرسنگی» محصول سال ۲۰۲۳ نیز آشپزخانه به محیط اصلی داستان تبدیل می‌شود.

چوتیمون چوانگ‌چارونسوکینگ نقش اوی را بازی می‌کند؛ آشپزی که در مغازه خانوادگی فروش رشته‌فرنگی کار می‌کند. او پس از دریافت پیشنهادی برای پیوستن به گروه تهیه غذاهای مجلل «گرسنگی»، کسب‌وکار خانوادگی را ترک می‌کند. این گروه زیر نظر سرآشپز افسانه‌ای پل با بازی نوپاجای جایاناما فعالیت می‌کند.

سرآشپز پل به‌عنوان مدیری مستبد شهرت دارد و اوی برای برآورده کردن انتظارات بسیار بالای او با دشواری روبه‌رو می‌شود. با افزایش فشارها و بالا رفتن خطر شکست، اوی باید تصمیم بگیرد که آیا توانایی دوام آوردن در دنیای غذاهای لوکس را دارد یا نه.

«گرسنگی» ترکیبی از فیلم «سرآشپز» و «ویپلش» است و برای علاقه‌مندان به داستان‌های پرتنش و محیط‌های کاری پراسترس، تجربه‌ای سرگرم‌کننده فراهم می‌کند. البته احتمالاً پس از تماشای آن، دست‌کم برای مدتی دلتان نمی‌خواهد در آشپزخانه کار کنید؛ هرچند شاید هوس یک کاسه رشته‌فرنگی تند به سرتان بزند.

۱۴. «خوردن رائول» (Eating Raoul)

«خوردن رائول» فیلمی کمتر دیده‌شده محصول سال ۱۹۸۲ است؛ سالی که بسیاری آن را یکی از دوره‌های درخشان تاریخ سینما می‌دانند.

پل بارتل نویسندگی، کارگردانی و بازی در این فیلم را بر عهده داشته است. داستان درباره زوجی متأهل و به‌شدت محافظه‌کار به نام‌های پل با بازی خود بارتل و مری با بازی مری وورونوف است.

پل که به شراب علاقه وسواس‌گونه دارد و مری که پرستار است، رؤیای افتتاح یک رستوران را در سر می‌پرورانند؛ اما پول کافی برای تحقق این رؤیا ندارند. پس از آنکه به‌طور تصادفی مرتکب قتل می‌شوند، نقشه‌ای برای عملی کردن آرزویشان طراحی می‌کنند. آن‌ها شروع به کشتن افراد ثروتمندی می‌کنند که روابط جنسی آزاد دارند و از نظرشان به دلیل سبک زندگی‌شان سزاوار مجازات‌اند. سپس پول قربانیان را می‌دزدند.

اوضاع برای پل و مری به شکلی غیرمنتظره خوب پیش می‌رود تا اینکه با رائول، با بازی رابرت بلتران، روبه‌رو می‌شوند؛ مردی که نقشه‌های خودش را دارد.

پایان فیلم را فاش نمی‌کنیم، اما با توجه به عنوان آن، حدس زدن سرانجام ماجرا چندان دشوار نیست. «خوردن رائول» کمدی سیاهی با شخصیت‌هایی فاقد وجدان اخلاقی است و می‌تواند برای علاقه‌مندان به سینمای بدبینانه جذاب باشد.

البته یک هشدار مهم وجود دارد: آزار جنسی نقشی پررنگ در داستان فیلم دارد و همین موضوع ممکن است تماشای آن را برای برخی مخاطبان دشوار کند.

۱۵. «شام آخر» (The Last Supper)

با وجود عنوان مذهبی فیلم، اثر استیسی تایتل محصول سال ۱۹۹۵ چندان به ده فرمان پایبند نیست.

این کمدی سیاه درباره پنج دانشجوی تحصیلات تکمیلی است که در خانه‌ای در ایالت آیووا زندگی می‌کنند. جود با بازی کامرون دیاز روان‌شناسی می‌خواند، پیت با بازی ران الدارد دانشجوی حقوق است، پالی با بازی آنابت گیش مددکاری اجتماعی می‌خواند، مارک با بازی جاناتان پنر رؤیای نقاش شدن دارد و لوک با بازی کورتنی بی. ونس در رشته علوم سیاسی برای دریافت مدرک دکتری تحصیل می‌کند.

روزی کامیون‌داری به نام زک با بازی بیل پکستون، پس از خراب شدن خودروی پیت به او کمک می‌کند و پیت نیز او را برای صرف شام به خانه دعوت می‌کند. اما زک به‌زودی نشان می‌دهد که از برتری نژاد سفیدپوستان حمایت می‌کند. زمانی که چاقویی بیرون می‌کشد، دانشجویان او را می‌کشند و جسدش را در حیاط پشتی خانه دفن می‌کنند.

آن‌ها که عمل خود را نوعی اقدام اخلاقی و شایسته می‌دانند، تصمیم می‌گیرند افراد دیگری را که دیدگاه‌هایی نفرت‌انگیز دارند به شام دعوت کنند و با کشتن آن‌ها، جهان را به مکانی بهتر تبدیل کنند.

دانشجویان به مهمانان خود فرصت می‌دهند تا از باورهایشان دست بکشند، اما خیلی زود پیامدهای اقداماتشان به سراغشان می‌آید.

«شام آخر» بیش از آنکه محافظه‌کاران را هدف بگیرد، لیبرال‌ها را به سخره می‌گیرد و تصویری طعنه‌آمیز از خودحق‌پنداری سیاسی ارائه می‌دهد؛ موضوعی که هنوز هم با فضای اجتماعی و سیاسی امروز ارتباط دارد.